Топ художников, о которых должен знать каждый фанат декоративного искусства

Керамика: как сказать новое слово в ремесле, которому тысячи лет

Хотя с появления первых изделий из глины в эпоху палеолита прошли тысячи лет, этот податливый, чувственный и гибкий материал до сих пор используется ремесленниками и художниками. Одни создают прекрасную посуду и предметы декора, другие — провокационные арт-объекты. Сегодня мы расскажем и об адептах старинных техник, и о бунтарях, неустанно исследующих творческий потенциал одного из древнейших видов искусства.
1
Кинг Хундекпинку
Скульптуры Кинга [King Houndekpinkou] как будто бы попали к нам с чужой планеты: они, с одной стороны, отсылают к древним гончарным традициям, а с другой — к эстетике видеоигр, которые начали появляться в разгар космической эры.

Парижскому художнику бенинского происхождения удается сочетать несочетаемые, на первый взгляд, вещи. Японские ремесла, африканские обряды вуду, современная поп-культура — всё это служит вдохновением для скульптур сочных оттенков, с практически мультяшными колючками и неровными фактурными поверхностями.

«Для получения нужного цвета и текстуры я могу перепробовать сотни различных комбинаций материалов и красок. Иногда я возвращаю к работам, которые казались мне законченными: наношу еще один слой глазури, повторно обжигаю. И это — уже новая работа!», — рассказывал художник в недавнем интервью.
Несколько работ, созданных специально для выставки Dans Mon Jardin… [В моем саду] в Париже. Всего в галерее Galerie Vallois художник представил 40 арт-объектов.
2
Бри Руаис
Главный инструмент бруклинской художницы, которая создает по-настоящему живые и динамичные скульптуры, — ее собственное тело. Для каждой инсталляции автор использует кусок глины, эквивалентный по весу ей самой. Это дает возможность создавать сомасштабные человеку произведения искусства.

Все сгибы, складки и отпечатки на глине появляются в результате грубого воздействия на материал и отсылает нас к работам таких художников, как Ана Мендьета [Ana Mendieta] и Линда Бенглис [Lynda Bengalis].

Бри Руаис [Brie Ruais] предпочитает творить в одиночестве. Она уезжает в необитаемую пустыню, расположенную в Большом Бассейне на территории штата Невада, где нет доступа к интернету и сотовой связи. Одиночество и полное единение с материалом помогают ей создавать работы на стыке скульптуры и перформанса — ведь она буквально отпечатывает свое тело на глине.

Ее работы будут показаны в рамках проекта Night Gallery на международной выставке Frize в Лондоне. В декабре также пройдет персональная выставка в галерее Albertz Benda в Нью-Йорке.

Инсталляция Бри Руаис [Brie Ruais] Movement at the Edge of the Land [Движение на краю света], галерея Moody Center for the Arts, Хьюстон
3
Рон Нэгл
Не так много людей, которые были бы одинаково плодотворны в двух разных видах искусства. Но благодаря энтузиазму, приверженности делу и нестандартному взгляду на привычные вещи, Рону Нэглу [Ron Nagle] это удалось.

Художник увлекся скульптурой в знак протеста. Он бунтовал против родителей, которые навязывали ему выбор карьеры, и традиционного подхода к керамике, превалировавшего в Калифорнии 50-х. Добившись признания уже в двадцать с небольшим, Рон Нэгл объединился с художниками, разделившими его взгляды, и начал активно работать. Его соратниками стали Питер Вулкос [Peter Voulkos] и Кеннет Прайс [Ken Price].

Главный принцип творчества — небольшие по размерам, но огромные по значению скульптуры. Так Рон работает на протяжении 60 лет. Его стиль — это комбинации гладко отполированных и шероховатых поверхностей, а также ярких насыщенных оттенков. Они содержат множество отсылок к калифорнийскому наследию: поп-культуре, моде на органическое стекло и эпоксидную смолу [т.н. Finish Fetish], а также к местной архитектуре.



Рон Нэгл [Ron Nagle], Tatt-toupee, 2018. Керамика, глазурь, катализированный полиуретан, эпоксидная смола и акрил. ©Ron Nagle, фото предоставлено Matthew Marks Gallery
4
Земер Пелед
Чем дольше вглядываешься в скульптуры Земер [Zemer Peled], тем больше видишь. Художница родилась в Израиле и сейчас работает в Лос-Анджелесе. Ее невероятно сложные творения состоят из тысяч керамических фрагментов. Они складываются в мелко- и крупноформатные скульптуры, отсылающие зрителя к природным образам. Фарфор формуется в полоски и пластинки, часть из которых покрывается глазурью. Затем они раскатываются или разбиваются, чтобы в итоге стать частью общей композиции.

Кобальтовый синий, который часто встречается в работах автора, — это оммаж к японской гончарной традиции. В сочетании природной красоты и грубости художница исследует темы памяти, самоопределения и локальной идентичности. Скульптуры кажутся спокойными и даже немного легкомысленными издалека, но вблизи проявляется их зловеще-колючая фактура. Получается нечто среднее между цветущими растениями, волнистыми актиниями и абсолютно абстрактными формами.

Земер Пелед, I Wanna Dance 1 [Я хочу танцевать 1], 2020, фарфор
5
Apparatu
Семейная мастерская Apparatu из Барселоны была основана 50 лет назад Хуаном Маньосой [Juan Mañosa]. Позднее к работе присоединилась его жена Аврора, и вскоре их работы начали продаваться на специализированных выставках.
Подход изменился, когда около десяти лет назад в работу включился сын Хуана, который вывел семейное ремесленное производство на международную сцену современного искусства и дизайна. Мастерская располагается в старом промышленном складе, а индустриальные пейзажи располагают к экспериментам: мастерская производит мебель, сосуды и светильники.
«Я люблю возвращаться к истокам, побыть на "нейтральной территории" — слушая других и обмениваясь опытом, можно узнать много нового»
Хавьер Маньоса
Apparatu
Студия Apparatu в муниципалитете Руби, Испания. На фото: скульптуры из цикла работ CAP. Фотография из выпуска журнала Wallpaper* от апреля 2019 года. Фото: Алекс Каскаллана.
6
Магдалена Одундо
Магдалена Одундо [Magdalene Odundo], знаменитый художник и преподаватель, родилась в Кении, на данный момент работает в Великобритании. Начинала карьеру с графического дизайна, но уже 40 лет занимается гончарным искусством. В начале карьеры художница работала в Нигерии, Нью-Мексико и Китае, изучая различные техники работы с глиной. Сдержанные асимметричные скульптуры отсылают к изгибам женского тела и раскрывают запутанную неразрывную связь между человеком и керамикой.

В работах Магдалены смешаны исторические, культурные и технические аспекты керамики разных стран, культур и диаспор: британская студийная керамика, традиции изготовления церемониальных сосудов в Кении и Нигерии, техники мастеров Древней Греции и Древнего Рима. Художник использует технику кругового налепа, а готовые изделия несколько раз обжигаются и шлифуются. Их поверхность напоминает атласную ткань, а цвета варьируются от огненно-оранжевого до матово-черного, образуя необычные колористические сочетания.

Этот год обещает быть успешным для художницы: ее работы будут представлены на выставке Paradise Edict Майкла Армитиджа [Michael Armitage] в Королевской академии художеств в Лондоне. В апреле в лондонской галерее Maximillian William началась выставка Embodying Anew, в которой также участвуют художники Симоне Ли [Simone Leigh] и Таддеус Мосли [Thaddeus Mosley], а в начале мая открылась выставка New Work в галерее Salon 94 в Нью-Йорке.
Слева: «Без названия», 1990, лощеная томленая (черненая) терракота. Справа: художница в студии, Суррей, Великобритания. Фото: Софи Грин для журнала Wallpaper* (W*240), март 2019.
7
Ай Вэйвэй
Китайский художник и активист Ай Вэйвэй [Ai Weiwei] известен мастерством как в создании изделий из керамики, так и в их уничтожении. В 1995 году состоялся один из самых известных и противоречивых перформансов художника — он разбил урну эпохи династии Хань, возраст которой составлял около 2 тыс. лет. За год до этого он нанес на поверхность аналогичного артефакта логотип компании Coca Cola. Уничтожение исторически ценных объектов, как и самой истории, культуры, — одна из тем, которую художник неоднократно поднимает в своих работах. С помощью древних керамических сосудов, Ай Вэйвэй предлагает зрителю задуматься, что или кто на самом деле определяет культурную ценность того или иного предмета.

Не менее впечатляющей стала инсталляция художника в одном из крупнейших залов лондонской галереи современного искусства Tate. Площадка была устлана 100 миллионами сделанных и расписанных вручную керамических семян подсолнуха, изготовленных мастерами из китайского города Цзиндэчжэнь. Культурный обмен в современном мире, феномен всеобъемлющего китайского производства — вот вопросы, которые затрагивает художник в этой работе. Желая достучаться до зрителя, Ай Вэйвэй вступает в конфронтацию со всей историей искусства керамики, метафорически разбивает ее на тысячу мелких осколков и снова склеивает их воедино.
Ай Вэйвэй, Ваза для Coca Cola, 2011. Вазы эпохи Империи Хань (206 г. до н. э. – 220 г. н. э.) и промышленная краска. © Ai Weiwei. Фото предоставлено Lisson Gallery.
8
Грейсон Перри
Говоря о керамике, невозможно не упомянуть Грейсона Перри [Grayson Perry]. При помощи глины художник рассказывает остроумные, трогательные и ностальгические истории из жизни современной Великобритании. На первый взгляд, его работы, выполненные в технике сграффито, кажутся очаровательными, игривыми и одухотворенными. Но стоит приглядеться повнимательнее, как настроение меняется и зрителю открываются сюжеты, повествующие о предубеждениях, несправедливости, желаниях, катастрофах, религии, средствах массовой информации и власти. Обращаясь также к чугуну, бронзе и технике эстампа, Грейсон Перри наполняет свои работы автобиографическими отсылками и бескомпромиссными высказываниями на социально значимые темы. Исследуя роль керамики в современном мире, Перри вкладывает в свои работы множество ярких аллегорий.
Грейсон Перри, Rosetta Vase, 2011. © Grayson Perry. Фото предоставлено самим художником и Викторией Миро.
9
Дженезис Беланджер
В работах бруклинской художницы Дженезис Беланджер [Genesis Belanger] все объекты обретают новые формы и функции. В сочетаниях обыденных на первый взгляд предметов, выполненных в сдержанных пастельных тонах, считываются остроумные метафоры и социальный протест, что делает работы художницы необъяснимо притягательными для зрителя. В отличие от других керамистов, художница отказывается от глазури в пользу матовых фактур, предпочитает естественный цвет глины или добавляет красящие пигменты в сами материалы.

Художественные композиции состоят из набора случайных предметов, которые складываются в метафоры и смыслы. В работах встречается старинная мебель, таблетки, продукты, телефоны, свечи, цветы и даже части тела.

Каждая работа художницы — это сюрреалистическая новелла, выполненная, тем не менее в технике реализма. Центральные темы работ: феминизм в США, тщеславие, избыточность общества потребления. На выставке, которая состоялась в 2020 году в музее современного искусства в Олдиче, художница обращается к темам скорби и потери.
Скульптуры Дженезис Беланджер. Снимок сделан в студии художницы в Бруклине для октябрьского выпуска журнала Wallpaper* (W*258). Автор снимков: Джиллиан Фрейер.
10
Тистер Гейтс
Американский художник известен многогранностью творчества. В его работах прослеживается интерес к культуре представителей различных рас и регионов, размышления на исторические темы. Тистер Гейтс [Theaster Gates] учился гончарному делу, и его творчество говорит о приверженности любимому материалу. Керамические сосуды наполнены метафорическими образами духовности, ритуалов и общности: это «сооружения» для совместных переживаний и опыта.

В 2020 году в Gagosian Gallery в Нью-Йорке прошла выставка Black Vessel («Черный сосуд»). Художник превратил пространство галереи в место для раздумий, наполненное крупными сосудами из эмалированной обожженной глины. Способность художника сочетать вековые традиции с современными визуальными образами, рассуждать на актуальные темы языком чувственной и тонкой керамики сделали его одним из законодателей мод в современном искусстве.

Студия художника, Чикаго, 2020 год.© Theaster Gates. Автор фото: Крис Стронг.
Фото предоставлено Gagosian Gallery.
11
Любна Чоудхари
Творчество лондонской художницы исследует темы противоречий и гибридности: между ручным и промышленным производством, Востоком и Западом, минимализмом и избыточностью. Художница родилась в Танзании в семье индийцев. Среди ее работ как яркие расписанные вручную плитки, так и объемные объекты и пространственные инсталляции, с трудом поддающиеся описанию и определению. Податливость глины, тактильные ощущения от работы с материалом и способность цвета вызывать зрительный и эмоциональный ответ интересуют художницу больше всего. Через сочные цвета, глянцевые текстуры и геометрически выверенные узоры Любна Чоудхари [Lubna Chowdhary] рассказывает нам истории о других странах и культурах.

Этому посвящена в ыставка Code Switch, которая состоялась в январе–феврале 2021 года в галерее Jhaveri Contemporary в Мумбае. Художница исследует концепцию «смены кода». Переключение с одной лингвистической системы на другую в ее творчестве отражено разными способами обработки материала и культурными отсылками в картинах, коллажах из бумаги и паттернах на плитках.
Любна Чоудхари, Sign 3 («Знак 3»), 2020.
12
Зизипо Посва
Художница работает в Кейптауне и создает гигантские тотемообразные скульптуры: яркие, с пестрыми деталями разных форм. Это отсылает к происхождению художницы: она выходец из африканского народа Коса. В 2006 году Зизипо Посва [Zizipho Poswa] стала сооснователем студии Imiso, и таким образом перенесла опыт работы с тканями и текстилем в керамику. Признания на независимой арт-сцене она добилась относительно недавно. На это ушло 20 лет усердной работы: керамика для нее это не только способ самовыражения, но и средство заработка.

Габаритные керамические изделия, часто состоящие из нескольких элементов, отсылают к ритуалам народа Коса: традиционным текстильным изделиям, сосудам для воды, используемых женщинами, традиционным африканским прическам. Огромное внимание в работах уделяется текстуре: рельефные поверхности перетекают в гладкие выступы, и наоборот. Яркие декоративные элементы помогают сочетать традиции и современность. В марте 2021 года в галерее Southern Guild открылась первая персональная выставка художницы под названием Lobola.
Художница в студии, за работой над серией Umthwalo, вдохновленной образами африканских женщин, переносящих грузы на голове. На заднем плане работа, названная Umthwalo 4. Фото: Нико Крижно, снимок сделан для журнала Wallpaper* от октября 2019 года (W*247).
ПОДЕЛИТЬСЯ: